Lo Studio
In musica uno Studio (noto anche con il nome francese di Étude) è una breve composizione musicale, concepita a scopo didattico, che serve a esercitare un particolare aspetto della tecnica di un qualunque strumento musicale (ad esempio le scale musicali, il giro di corda e lo staccato come nel caso del Etude di S. Suzuki incluso in questo volume, gli arpeggi, la diteggiatura, il legato, lo staccato, le ottave, i trilli), ma con un significato musicale profondo che trascende la meccanica ripetizione in formule. Il termine entrò nell’uso agli inizi del sec. XIX; lo si trova in raccolte pianistiche di A. Reicha (1801) e J.B. Cramer (1804). Gli studi sono spesso raccolti in metodi. I primi studi per strumenti a tastiera vennero composti da Muzio Clementi tra il 1817 e il 1826; sono 100 esercizi nominati Gradus ad Parnassum. Altri studi furono composti da Carl Czerny, ma fu Fryderyk Chopin che li trasformò in una vera e propria composizione “da concerto”, attualmente presente in quasi tutti i curriculum di pianisti di alto livello. Questi esercizi sono divisi in due opere, op. 10 e op. 25, ciascuna formata da 12 studi. Alfredo Casella sosteneva che questi studi erano fondamentali e che dovevano essere studiati da tutti i pianisti per ottenere una tecnica infallibile. Anche gli studi per chitarra classica di Heitor Villa-Lobos sono dei veri e propri brani da concerto di altissimo valore artistico. Franz Liszt, noto pianista ungherese, scrisse numerosi studi tutti di carattere virtuosistico, adatti per esercitare le mani e affrontare passaggi molto difficili (nelle sue opere se ne trovano di frequente). Parte di questi studi sono stati scritti ispirandosi ad alcuni temi dei “24 Capricci” di Niccolò Paganini: il primo studio dei sei “grandi studi da Paganini” è detto “tremolo” come l’omonimo capriccio. A seguire lo studio detto delle “ottave”, “La Campanella “, questo tratto da un rondò che conclude un concerto per violino e orchestra del violinista genovese (Concerto per violino e orchestra n. 2 op. 7), “Arpeggio”, “La Caccia” e infine “Tema e Variazioni”. Ogni studio presenta una precisa difficoltà che verrà affrontata durante l’assimilazione del brano. Il primo studio è dedicato alla mano sinistra, che dovrà eseguire costantemente un trillo (tremolo) e contemporaneamente recitare il tema del brano. Il secondo esercizio sfrutta l’articolazione del polso per elasticizzarlo e renderlo più sciolto possibile (nella tecnica pianistica l’utilizzo del polso è particolarmente utilizzato per eseguire le ottave). Il terzo grande studio (di particolare bellezza) è uno dei più impegnativi: diviso in quattro sezioni, presenta più difficoltà tecniche, dal salto di parecchi tasti, all’esecuzione di scale cromatiche ascendenti e discendenti.
Il quarto studio esercita entrambe le mani facendoli eseguire una serie di arpeggi dalle note più gravi a quelle più acute. Il quinto studio, detto “La caccia”, vuole dipingere una giornata di caccia accompagnata da un flauto e un corno, probabilmente in una zona orientale dell’Ungheria (Regioni Szolnok, Békés, Szabolcs) zona nativa del musicista. Questo è l’esercizio più facile dal punto di vista tecnico. Il sesto e ultimo studio riprende precisamente il tema con variazioni dell’ultimo capriccio di Paganini: è un ottimo esercizio per la coordinazione mano destra – mano sinistra.
The Exercise (Etude)
In music an Exercise (also known by the French name of Étude) is a short musical composition, conceived for didactic purposes, which serves to exercise a particular aspect of the technique of any musical instrument (for example musical scales, the turn of the string and the staccato as in the case of S. Suzuki’s Etude included in this volume, the arpeggios, the fingering, the legate, the staccato, the octaves, the trills), but with a profound musical meaning that transcends mechanical repetition in formulas. The term came into use at the beginning of the century. XIX; it is found in the piano collections of A. Reicha (1801) and J.B. Cramer (1804). Studies are often collected in methods. The first studies for keyboard instruments were composed by Muzio Clementi between 1817 and 1826; there are 100 establishments named Gradus ad Parnassum. Other studies were composed by Carl Czerny, but it was Fryderyk Chopin who transformed them into a real “concert” composition, currently present in almost all the curriculum of high-level pianists. These exercises are divided into two works, op. 10 and op. 25, each made up of 12 studios. Alfredo Casella argued that these studies were fundamental and that they had to be studied by all pianists to obtain an infallible technique. Even the classical guitar studies by Heitor Villa-Lobos are real concert pieces of the highest ar setistic value. Franz Liszt, a well-known Hungarian pianist, wrote numerous studies, all of a virtuosic nature, suitable for exercising the hands and tackling very difficult passages (in his works they are frequently found). Part of these studies were written inspired by some themes of Niccolò Paganini’s “24 Capricci”: the first study of the six “great studies by Paganini” is called “tremolo” like the capriccio of the same name. This is followed by the so-called study of the “octaves”, “La Campanella”, this taken from a rondo that concludes a concert for violin and orchestra by the Genoese violinist (Concerto for violin and orchestra n. 2 op. 7), “Arpeggio”, ” La Caccia “and finally” Theme and Variations “. Each study presents a specific difficulty that will be faced during the assimilation of the piece. The first study is dedicated to the left hand, which must constantly perform a trill (tremolo) and at the same time recite the theme of the piece. The second exercise exploits the wrist joint to make it more elastic and make it as loose as possible (in the piano technique the use of the wrist is particularly used to play octaves). The third large study (of particular beauty) is one of the most demanding: divided into four sections, it presents more technical difficulties, from the jump of several keys, to the execution of ascending and descending chromatic scales.
The fourth study exercises both hands by making them perform a series of arpeggios from the lowest to the highest notes. The fifth studio, called “The hunt”, wants to paint a hunting day accompanied by a flute and a horn, probably in an eastern part of Hungary (Regions Szolnok, Békés, Szabolcs) the native area of the musician. This is the easiest exercise from a technical point of view. The sixth and final study takes up the theme precisely with variations of Paganini’s last capriccio: it is an excellent exercise for right hand – left hand coordination.
Il Riguadoon
Il rigaudon o rigodon o riguadoon è una danza tradizionale francese. Nasce dal 1600 in poi dalla Provenza (o dalla Linguadoca) nel resto della Francia e in Inghilterra ed ivi elevata ad aulica. Si distingueva, tra l’altro, per un suo peculiare passo saltato. Il ritmo era binario (battuta in 2/2 o in 2/4), il movimento in Allegro (o equivalenti); la forma poteva mutare di schema tra il tipo A :||: À’ :|| A e l’altro A :||: A’ :||: A” :|| A'”, a strofe di 8 misure o anche irregolari. L’ultima di solito era ridotta. Esempi celebri sono i rigaudon di H. Playford (in Apollo’s Banquet) e di J.-Ph. Rameau (nelle composizioni per il clavicembalo del 1724 e nel Dardanus del 1735). Ballato ancora oggi con molte varianti coreutiche, dalla Provenza fino alla regione di Chambery, nell’Alta Savoia, nelle valli Occitane d’Italia e nella regione di Grenoble, la più “fervida” dove si possono trovare una cinquantina di rigodon diversi. Sovente danzato in cerchio ha al sud passo e figure più leggere mentre quelle del nord sono più rudi; in Italia è ballata la versione resa famosa dal gruppo dei Lou Dalfin con battito delle mani sul cerchio con questo schema: cerchio di uomini e donne alternati rivolti a destra, passeggiata in senso antiorario accompagnando il passo (quando appoggio il piede interno) con battuta delle mani all’interno del cerchio, il cavaliere si gira indietro e fa un balletto con la dama che lo segue al cambio della musica torna a girarsi e fa il balletto con la dama che lo precede, da capo.
The Rigaudoon
The Rigaudon or Rigodon or Riguadoon is a traditional French dance. It was born from 1600 onwards from Provence (or from Languedoc) in the rest of France and England and elevated there to courtly. Among other things, he was distinguished by his peculiar skipped step. The rhythm was binary (bar in 2/2 or in 2/4), the movement in Allegro (or equivalent); the shape could change between the type A: ||: À ‘: || A and the other A: ||: A ‘: ||: A “: || A'”, in stanzas of 8 measures or even irregular ones. The last was usually small. Famous examples are H. Playford’s Rigaudons (in Apollo’s Banquet) and J.-Ph. Rameau (in the compositions for the harpsichord of 1724 and in the Dardanus of 1735). Danced still today with many dance variations, from Provence to the Chambery region, in Haute-Savoie, in the Occitan valleys of Italy and in the region of Grenoble, the most “fervent” where you can find about fifty different rigodons. Often danced in a circle, he has lighter steps and figures in the south, while those in the north are more rough; in Italy the version made famous by the Lou Dalfin group is danced with clapping on the circle with this pattern: circle of alternating men and women facing right, walk counterclockwise accompanying the step (when I place my inner foot) with beat of the hands inside the circle, the knight turns back and does a ballet with the lady who follows him at the change of the music he turns around and does the ballet with the lady who precedes him, all over again.
Il Minuetto
Il minuetto è una danza originaria della Francia. Il nome deriva da “pas menu”, che in lingua francese significa “piccolo passo”, dato che la danza era appunto caratterizzata. Originatosi in Francia da una danza popolare della regione del Poitou, divenne danza di corte durante il periodo barocco. Fu introdotto alla corte di Luigi XIV da Jean-Baptiste Lully e in breve tempo fu accolto nei più svariati generi musicali, dal balletto, all’opera lirica, alla suite e nel corso del XVII secolo divenne anche danza di società e danza teatrale. I primi minuetti teatrali comparvero nei balletti Le Mariage forcé e Les Amours déguisés del 1664 e quindi il nome di questa danza venne citato per la prima volta da Guillaume Dumanoir nella sua opera Le mariage de la musique avec la danse (Il matrimonio della musica con la danza) dello stesso anno. In seguito Lully, André Campra e Pierre Rameau inseriranno minuetti in un gran numero di loro composizioni. Nel periodo classico il minuetto è stato inserito anche nelle grandi forme musicali, la sinfonia, la sonata ed il quartetto, delle quali costituiva solitamente il terzo movimento, anche se talvolta poteva presentarsi anche come secondo movimento (ad esempio in Haydn e Mozart), precedendo così il movimento lento. La fortuna del minuetto culminò con l’affermarsi dello stile galante e si esaurì con l’avvento del romanticismo, anche se questa danza conobbe una certa rinascita come ballo di sala tra il 1883 e il 1890. Il minuetto (o menuetto) è una danza, nel periodo classico da considerarsi in tempo moderato e in movimento ternario polivalente. La forma musicale è tripartita (ABA) e quadritematica, con la sezione principale A che contiene due temi e quella centrale B detta trio (così denominato perché in origine affidato a tre strumenti solisti un fagotto e 2 oboi) che ne contiene gli altri due. Inoltre ciascuna delle tre sezioni (minuetto-trio-minuetto) prevede la ripetizione (ritornello) anche se in ambito non funzionale alla danza l’ultima esposizione della A spesso non è ritornellata. Tale forma tripartita e ripetuta è stata mantenuta integralmente nello scherzo, erede del minuetto all’interno delle grandi forme musicali.
Il minuetto di corte veniva danzato solitamente da una sola coppia. Cominciava con una riverenza e proseguiva con una serie di figure composte da piccoli passi scivolati a destra, a sinistra, in avanti, indietro e per un quarto di giro. I maestri di danza del XVII secolo citano parecchie forme di passi: un passo di minuetto a un solo movimento (da Raoul-Auger Feuillet), a due movimenti sia à la bohémienne sia en fleuret e un passo a tre movimenti qualificato da Pierre Rameau come “il vero passo di minuetto”. La figura (disegno che la coppia compie muovendosi nello spazio) più frequente – eseguita con cinque ovvero otto passi – all’inizio aveva la forma di un 8, in seguito cambiò in forma di lettera S e infine prese quella della lettera Z.
The Minuet
The minuet is a dance originating from France. The name derives from “pas menu”, which in French means “small step”, since the dance was precisely characterized. Originating in France from a popular dance from the Poitou region, it became a court dance during the Baroque period. It was introduced to the court of Louis XIV by Jean-Baptiste Lully and in a short time was welcomed in the most varied musical genres, from ballet, opera, suite and during the seventeenth century it also became social dance and theatrical dance. The first theatrical minuets appeared in the ballets Le Mariage forcé and Les Amours déguisés of 1664 and therefore the name of this dance was mentioned for the first time by Guillaume Dumanoir in his work Le mariage de la musique avec la danse (The marriage of music with the dance) of the same year. Later Lully, André Campra and Pierre Rameau inserted minuets in a large number of their compositions. In the classical period the minuet was also included in the great musical forms, the symphony, the sonata and the quartet, of which it usually constituted the third movement, although it could sometimes also appear as a second movement (for example in Haydn and Mozart), preceding so the slow motion. The minuet’s fortune culminated in the affirmation of the gallant style and ran out with the advent of romanticism, although this dance experienced a certain revival as a ballroom dance between 1883 and 1890. The minuet (or menuetto) is a dance , in the classical period to be considered in moderate time and in polyvalent ternary movement. The musical form is tripartite (ABA) and quadritematic, with the main section A containing two themes and the central section B called trio (so called because it was originally entrusted to three solo instruments a bassoon and 2 oboes) containing the other two. In addition, each of the three sections (minuet-trio-minuet) provides for repetition (refrain) even if in a non-functional context for dance the last exposition of A is often not re-enacted. This tripartite and repeated form has been preserved in its entirety in the scherzo, heir to the minuet within the great musical forms.
The court minuet was usually danced by a single couple. It began with a curtsy and continued with a series of figures made up of small steps slipped right, left, forward, backward and a quarter turn. The dance masters of the seventeenth century cite several forms of steps: a one-movement minuet step (from Raoul-Auger Feuillet), two movements both à la bohémienne and en fleuret and a three-movement step qualified by Pierre Rameau as “the true minuet step”. The most frequent figure (drawing that the couple makes while moving in space) – performed with five or eight steps – at first had the shape of an 8, later changed into the shape of the letter S and finally took that of the letter Z.
La Chanson
La chanson (pronuncia francese [ʃɑ̃ˈsɔ̃], “canzone”, dal latino cantio) in generale è una composizione con testo in francese. Ma, con la traduzione della voce nelle varie lingue, è in generale una composizione musicale abbinata ad una poesia. In un linguaggio più specialistico la parola chanson si riferisce alla canzone polifonica francese del tardo medioevo e del rinascimento, diffusa da trovieri e trovatori. Le prime chanson erano scritte nelle forme codificate della ballata o del rondò, successivamente molti compositori musicarono delle poesie popolari in varie forme che assunsero le definizioni di chanson d’histoire, di chanson dramatique, di chanson de danse, di chanson d’aube, di reverdie e di pastourelle. Le prime chanson erano per due, tre e quattro voci. La quarta voce venne aggiunta soltanto a partire dal XVI secolo. In alcuni casi i cantori erano accompagnati da uno strumento. Il primo importante compositore di chanson fu Guillaume de Machaut, che compose chanson a tre voci durante il XIV secolo. Guillaume Dufay, che scrisse le cosiddette burgunde-chanson (egli era originario della Borgogna), fu il più grande compositore di chanson del periodo 1420 – 1470. Le sue chanson, ancorché scritte in uno stile semplice, sono a tre voci su di un tenor strutturale. Il primo libro di musica scritto con i caratteri mobili fu una raccolta di 99 chanson dal titolo Harmonice Musices Odhecaton, stampata nel 1501 a Venezia da Ottaviano Petrucci. Fra il tardo XV secolo ed i primi anni del XVI secolo fra i grandi compositori figurano Johannes Ockeghem e Josquin Des Prez i cui lavori, composti in forme codificate, presentano delle similitudini con i contemporanei mottetti e la musica sacra. Un altro celebre compositore fu Clément Janequin che con la cantata descrittiva La Guerre o La battaglia di Marignano (1528), utilizzò le voci per imitare gli elementi sonori di una battaglia. A metà del XVI secolo Orlando di Lasso fu influenzato dai madrigali composti dai musicisti italiani, anche se scrisse molte chanson quali Ardent amour, Au temps jadis e La nuit. In questo periodo e anche in seguito, molte opere strumentali erano derivate dalla chanson e da questo genere di musica si originerà poi la forma sonata, forma tripartita e bitematica che verrà utilizzata sino ai nostri giorni con numerosi rimaneggiamenti. Inoltre dalla Chanson deriveranno anche tutte le forme di canzoni strumentali e non solo in forma tripartita anche quelle della tradizione popolare (folk song o popular song).
The Chanson
The chanson (French pronunciation [ʃɑ̃ˈsɔ̃], “song”, from the Latin cantio) in general is a composition with French text. But, with the translation of the voice into various languages, it is generally a musical composition combined with a poem. In a more specialized language, the word chanson refers to the French polyphonic song of the late Middle Ages and the Renaissance, spread by troubadours and troubadours. The first chansons were written in the codified forms of the ballad or the rondo, subsequently many composers set to music popular poems in various forms that took on the definitions of chanson d’histoire, of chanson dramatique, of chanson de danse, of chanson d’aube, of reverdie and of pastiurelle. The first chansons were for two, three and four voices. The fourth entry was added only from the 16th century on. In some cases the singers were accompanied by an instrument. The first major chanson composer was Guillaume de Machaut, who composed three-part chanson during the 14th century. Guillaume Dufay, who wrote the so-called Burgunde-chansons (he was originally from Burgundy), was the greatest chanson composer of the period 1420-1470. His chansons, although written in a simple style, are three-part on a structural tenor. The first music book written with movable type was a collection of 99 chansons entitled Harmonice Musices Odhecaton, printed in 1501 in Venice by Ottaviano Petrucci. Between the late 15th century and the early 16th century, among the great composers are Johannes Ockeghem and Josquin Des Prez whose works, composed in codified forms, have similarities with contemporary motets and sacred music. Another famous composer was Clément Janequin who with the descriptive cantata La Guerre or The Battle of Marignano (1528), used the voices to imitate the sound elements of a battle. In the mid-16th century Orlando di Lasso was influenced by madrigals composed by Italian musicians, although he wrote many chansons such as Ardent amour, Au temps jadis and La nuit. In this period and also afterwards, many instrumental works were derived from chanson and from this genre of music the sonata form will originate, a tripartite and bitematic form that will be used up to our days with numerous alterations. Furthermore, all forms of instrumental songs will also derive from Chanson and not only in tripartite form also those of the popular tradition (folk song or popular song).
La Bourrée
La bourrée /bu’re/ è un’antica danza francese originaria dell’Alvernia. È generalmente a due tempi, veloce e accentata vigorosamente sul battere. Ne esiste anche una versione a tre tempi.
Tutt’oggi le bourrée sono molto ballate in tutte le parti della Francia, associate a coreografie diverse a seconda della zona: danzate in coppia, a quattro o in gruppo. Anche in Italia si sono diffuse in tempi recenti, grazie alle associazioni di danze popolari che hanno saputo affiancare le tradizioni locali con una visione più internazionale. Sono caratterizzate dal “passo di bourrée”, strutturato su tre appoggi. L’origine della bourrée risale al medioevo e, secondo alcune ricerche, sarebbe di origine spagnola. Secondo alcuni specialisti, tra cui Pierre Rameau, è originaria da un branle dell’Alvernia (Bassa Alvernia), forse per la grande estensione di questa provincia e quindi per la predominanza numerica dei suoi abitanti. Numerosi studi dimostrano tuttavia che la bourrée è più diffusa e radicata nel Limosino, nel Morvan ed in alcune zone del Berry e dell’Anjou. Viene descritta da George Sand come: «la nostra danza classica, leggiadra, ben ritmata e molto aggraziata nella sua semplicità». La bourrée dell’Alvernia e del Limosino era in tre tempi, vivacissima e danzata con le braccia rivolte verso l’alto, mentre quella del Berry e dell’Anjou era in due tempi. Margherita di Valois, figlia di Caterina de’ Medici, introdusse la versione in due tempi alla corte francese nel 1565 per sostituire le basse-danze in cui i passi erano in prevalenza camminati. Fu molto in voga sino a Luigi XIII e di nuovo durante la Régence. Nel secolo XVII la bourrée diventò danza di società e fu accolta nella forma della suite strumentale, impiegata anche da Johann Sebastian Bach nelle Suites inglesi. Michael Praetorius la cita nel suo Syntagma musicum (1615). La bourrée può essere suonata a due tempi, che è la forma più diffusa, o a tre tempi, che è la forma più conforme a quella originaria dell’Alvernia e Limosino. La bourrée a tre tempi è caratteristica della Francia centrale, di andamento altrettanto veloce, accompagnata dalla musette. Fu in seguito accolta nel repertorio strumentale col nome di passepied. La versione più conosciuta (quella del Berry) viene eseguita da una coppia in posizione frontale, alterna due parti, la prima vede i ballerini avvicinarsi ed allontanarsi (con quattro passi di bourrée) per quattro volte, la seconda vede i ballerini attraversare, cioè portarsi al posto del partner, (con quattro passi di bourrée) per quattro volte. Esistono un’infinità di varianti. Ogni paese, ogni famiglia, ogni ballerino ha il proprio stile di danza.
The Bourrée
The bourrée / bu’re / is an ancient French dance originating in Auvergne. It is generally two-beat, fast and heavily accented on the downbeat. There is also a three-stroke version.
Even today the bourrées are very much danced in all parts of France, associated with different choreographies depending on the area: danced in pairs, in fours or in groups. Also in Italy they have spread in recent times, thanks to popular dance associations that have been able to combine local traditions with a more international vision. They are characterized by the “step of bourrée”, structured on three supports. The origin of the bourrée dates back to the Middle Ages and, according to some researches, it is of Spanish origin. According to some specialists, including Pierre Rameau, it originates from a branch of the Auvergne (Lower Auvergne), perhaps due to the great extension of this province and therefore to the numerical predominance of its inhabitants. However, numerous studies show that bourrée is more widespread and rooted in Limousin, Morvan and in some areas of Berry and Anjou. It is described by George Sand as: «our classical dance, graceful, well rhythmic and very graceful in its simplicity». The bourrée of Auvergne and Limousin was in three stages, very lively and danced with the arms facing upwards, while that of Berry and Anjou was in two stages. Margaret of Valois, daughter of Caterina de ‘Medici, introduced the two-stage version to the French court in 1565 to replace the basso-dances in which the steps were mostly walked. It was very popular until Louis XIII and again during the Régence. In the seventeenth century the bourrée became a social dance and was accepted in the form of the instrumental suite, also used by Johann Sebastian Bach in the English Suites. Michael Praetorius mentions it in his Syntagma musicum (1615). The bourrée can be played in two strokes, which is the most common form, or in three strokes, which is the most consistent form to the original Auvergne and Limousin one. The three-stroke bourrée is characteristic of central France, with an equally fast pace, accompanied by the musette. It was later accepted in the instrumental repertoire with the name of passepied. The best known version (that of the Berry) is performed by a couple in a frontal position, alternating two parts, the first sees the dancers approach and move away (with four bourrée steps) four times, the second sees the dancers cross, that is to carry in place of the partner, (with four bourrée steps) four times. There are an infinite number of variations. Every country, every family, every dancer has their own dance style.
Lo Scherzo
Lo scherzo è una forma musicale. Dopo le prime apparizioni nei quartetti di Joseph Haydn, a partire da Ludwig van Beethoven lo scherzo viene normalmente a costituire il terzo movimento — in ritmo per lo più ternario (3/4 o 3/8) — di una sonata, una sinfonia o una composizione strumentale da camera (per esempio un quartetto per archi). Lo scherzo sostituisce così il minuetto, una danza anch’essa in 3/4, che era stata inserita nel quintetto da Luigi Boccherini, nella sinfonia e nella sonata classica da Joseph Haydn e Wolfgang Amadeus Mozart. Rispetto al minuetto, lo scherzo è di solito più veloce: Allegro, Vivace o Presto. La sua forma è tripartita (ABA), dove la sezione centrale, chiamata trio, ha spesso tonalità diversa e carattere contrastante, in genere più lirico. Esistono anche esempi di scherzi a cinque parti: ABABA (Beethoven, Sinfonie n. 4, 6 e 7) o, specialmente nel periodo romantico, ABACA. Lo scherzo punta di solito all’arguzia, alla giocosità e tende ad alleggerire la tensione tra il movimento lento e il finale, distendendo la concentrazione richiesta all’ascoltatore durante i primi due movimenti. Nonostante ciò, può assumere tratti drammatici e persino grotteschi (come in Gustav Mahler e Dmitrij Šostakovič). Nelle prime tre sinfonie, Johannes Brahms rinunciò addirittura allo scherzo di stampo beethoveniano per inserire composizioni che, pur mantenendo la struttura dello scherzo, hanno tempo moderato e carattere elegiaco.
Eccezionalmente, se il primo movimento di una sinfonia o di una sonata e il successivo tempo lento acquistano proporzioni e impegno eccessivi, lo scherzo può diventare il secondo movimento, dando così maggior equilibrio all’opera. È il caso, ad esempio, della sinfonia n. 9 di Beethoven, della n. 2 di Schumann e della n. 4 di Mahler. Con i suoi scherzi pianistici, Fryderyk Chopin ha invece trasfigurato e stravolto la forma tradizionale, creando organismi musicali imponenti, nuovi per struttura e linguaggio.
The Scherzo
The Scherzo is a musical form. After the first appearances in Joseph Haydn’s quartets, starting with Ludwig van Beethoven, the scherzo usually forms the third movement – in a mostly ternary rhythm (3/4 or 3/8) – of a sonata, a symphony or a chamber instrumental composition (for example a string quartet). The scherzo thus replaces the minuet, a dance also in 3/4, which had been inserted in the quintet by Luigi Boccherini, in the symphony and in the classical sonata by Joseph Haydn and Wolfgang Amadeus Mozart. Compared to the minuet, the scherzo is usually faster: Allegro, Vivace or Presto. Its shape is tripartite (ABA), where the central section, called the trio, often has a different tonality and a contrasting character, usually more lyrical. There are also examples of five-part jokes: ABABA (Beethoven, Symphonies No. 4, 6 and 7) or, especially in the Romantic period, ABACA. The joke usually aims at wit, playfulness and tends to lighten the tension between the slow movement and the ending, relaxing the concentration required of the listener during the first two movements. Despite this, it can take on dramatic and even grotesque traits (as in Gustav Mahler and Dmitrij Shostakovič). In the first three symphonies, Johannes Brahms even renounced the Beethovenian joke to insert compositions which, while maintaining the structure of the joke, have moderate tempo and an elegiac character.
Exceptionally, if the first movement of a symphony or sonata and the subsequent slow tempo acquire excessive proportions and effort, the scherzo can become the second movement, thus giving greater balance to the work. This is the case, for example, of the symphony n. 9 by Beethoven, n. 2 by Schumann and n. 4 by Mahler. With his piano jokes, Fryderyk Chopin has instead transfigured and distorted the traditional form, creating impressive musical organisms, new in structure and language.
La Gavotta
La gavotta è una danza francese in movimento moderato e in ritmo binario, caratterizzata per lo più da un incipit in levare e da una struttura bipartita. Nacque come danza dei montanari delle Alpi francesi (di Gap nel Delfinato), soprannominati gavots, e in origine, come molte danze popolari, aveva carattere allegro e tempo vivace. Divenuta danza di corte, ebbe particolare fortuna nel XVII secolo, quando il suo movimento fu moderatamente rallentato, venne introdotta anche nelle rappresentazioni teatrali (comédie-ballet) e fu accolta a pieno titolo nella letteratura musicale colta, entrando a far parte della suite. È caratterizzata da un’eleganza tipicamente compassata e pensosa. Il termine, nella variante di gavotte (chiamata anche dañs tro in bretone), indica anche una famiglia di danze tradizionali della Bassa Bretagna.
The Gavotte
The gavotte is a French dance in moderate movement and in binary rhythm, mostly characterized by an upbeat incipit and a bipartite structure. It was born as a dance of the mountaineers of the French Alps (of Gap in the Dauphiné), nicknamed gavots, and originally, like many folk dances, had a cheerful character and lively tempo. Having become a court dance, it had particular success in the 17th century, when its movement was moderately slowed down, it was also introduced in theatrical representations (comédie-ballet) and was fully accepted in cultured musical literature, becoming part of the suite. It is characterized by a typically staid and thoughtful elegance. The term, in the variant of gavotte (also called dañs tro in Breton), also indicates a family of traditional dances from Lower Brittany.
Il Riguadoon
Il rigaudon o rigodon o riguadoon è una danza tradizionale francese. Nasce dal 1600 in poi dalla Provenza (o dalla Linguadoca) nel resto della Francia e in Inghilterra ed ivi elevata ad aulica. Si distingueva, tra l’altro, per un suo peculiare passo saltato. Il ritmo era binario (battuta in 2/2 o in 2/4), il movimento in Allegro (o equivalenti); la forma poteva mutare di schema tra il tipo A :||: À’ :|| A e l’altro A :||: A’ :||: A” :|| A'”, a strofe di 8 misure o anche irregolari. L’ultima di solito era ridotta. Esempi celebri sono i rigaudon di H. Playford (in Apollo’s Banquet) e di J.-Ph. Rameau (nelle composizioni per il clavicembalo del 1724 e nel Dardanus del 1735). Ballato ancora oggi con molte varianti coreutiche, dalla Provenza fino alla regione di Chambery, nell’Alta Savoia, nelle valli Occitane d’Italia e nella regione di Grenoble, la più “fervida” dove si possono trovare una cinquantina di rigodon diversi. Sovente danzato in cerchio ha al sud passo e figure più leggere mentre quelle del nord sono più rudi; in Italia è ballata la versione resa famosa dal gruppo dei Lou Dalfin con battito delle mani sul cerchio con questo schema: cerchio di uomini e donne alternati rivolti a destra, passeggiata in senso antiorario accompagnando il passo (quando appoggio il piede interno) con battuta delle mani all’interno del cerchio, il cavaliere si gira indietro e fa un balletto con la dama che lo segue al cambio della musica torna a girarsi e fa il balletto con la dama che lo precede, da capo.
The Rigaudoon
The Rigaudon or Rigodon or Riguadoon is a traditional French dance. It was born from 1600 onwards from Provence (or from Languedoc) in the rest of France and England and elevated there to courtly. Among other things, he was distinguished by his peculiar skipped step. The rhythm was binary (bar in 2/2 or in 2/4), the movement in Allegro (or equivalent); the shape could change between the type A: ||: À ‘: || A and the other A: ||: A ‘: ||: A “: || A'”, in stanzas of 8 measures or even irregular ones. The last was usually small. Famous examples are H. Playford’s Rigaudons (in Apollo’s Banquet) and J.-Ph. Rameau (in the compositions for the harpsichord of 1724 and in the Dardanus of 1735). Danced still today with many dance variations, from Provence to the Chambery region, in Haute-Savoie, in the Occitan valleys of Italy and in the region of Grenoble, the most “fervent” where you can find about fifty different rigodons. Often danced in a circle, he has lighter steps and figures in the south, while those in the north are more rough; in Italy the version made famous by the Lou Dalfin group is danced with clapping on the circle with this pattern: circle of alternating men and women facing right, walk counterclockwise accompanying the step (when I place my inner foot) with beat of the hands inside the circle, the knight turns back and does a ballet with the lady who follows him at the change of the music he turns around and does the ballet with the lady who precedes him, all over again.
Il Minuetto
Il minuetto è una danza originaria della Francia. Il nome deriva da “pas menu”, che in lingua francese significa “piccolo passo”, dato che la danza era appunto caratterizzata. Originatosi in Francia da una danza popolare della regione del Poitou, divenne danza di corte durante il periodo barocco. Fu introdotto alla corte di Luigi XIV da Jean-Baptiste Lully e in breve tempo fu accolto nei più svariati generi musicali, dal balletto, all’opera lirica, alla suite e nel corso del XVII secolo divenne anche danza di società e danza teatrale. I primi minuetti teatrali comparvero nei balletti Le Mariage forcé e Les Amours déguisés del 1664 e quindi il nome di questa danza venne citato per la prima volta da Guillaume Dumanoir nella sua opera Le mariage de la musique avec la danse (Il matrimonio della musica con la danza) dello stesso anno. In seguito Lully, André Campra e Pierre Rameau inseriranno minuetti in un gran numero di loro composizioni. Nel periodo classico il minuetto è stato inserito anche nelle grandi forme musicali, la sinfonia, la sonata ed il quartetto, delle quali costituiva solitamente il terzo movimento, anche se talvolta poteva presentarsi anche come secondo movimento (ad esempio in Haydn e Mozart), precedendo così il movimento lento. La fortuna del minuetto culminò con l’affermarsi dello stile galante e si esaurì con l’avvento del romanticismo, anche se questa danza conobbe una certa rinascita come ballo di sala tra il 1883 e il 1890. Il minuetto (o menuetto) è una danza, nel periodo classico da considerarsi in tempo moderato e in movimento ternario polivalente. La forma musicale è tripartita (ABA) e quadritematica, con la sezione principale A che contiene due temi e quella centrale B detta trio (così denominato perché in origine affidato a tre strumenti solisti un fagotto e 2 oboi) che ne contiene gli altri due. Inoltre ciascuna delle tre sezioni (minuetto-trio-minuetto) prevede la ripetizione (ritornello) anche se in ambito non funzionale alla danza l’ultima esposizione della A spesso non è ritornellata. Tale forma tripartita e ripetuta è stata mantenuta integralmente nello scherzo, erede del minuetto all’interno delle grandi forme musicali.
Il minuetto di corte veniva danzato solitamente da una sola coppia. Cominciava con una riverenza e proseguiva con una serie di figure composte da piccoli passi scivolati a destra, a sinistra, in avanti, indietro e per un quarto di giro. I maestri di danza del XVII secolo citano parecchie forme di passi: un passo di minuetto a un solo movimento (da Raoul-Auger Feuillet), a due movimenti sia à la bohémienne sia en fleuret e un passo a tre movimenti qualificato da Pierre Rameau come “il vero passo di minuetto”. La figura (disegno che la coppia compie muovendosi nello spazio) più frequente – eseguita con cinque ovvero otto passi – all’inizio aveva la forma di un 8, in seguito cambiò in forma di lettera S e infine prese quella della lettera Z.
The Minuet
The minuet is a dance originating from France. The name derives from “pas menu”, which in French means “small step”, since the dance was precisely characterized. Originating in France from a popular dance from the Poitou region, it became a court dance during the Baroque period. It was introduced to the court of Louis XIV by Jean-Baptiste Lully and in a short time was welcomed in the most varied musical genres, from ballet, opera, suite and during the seventeenth century it also became social dance and theatrical dance. The first theatrical minuets appeared in the ballets Le Mariage forcé and Les Amours déguisés of 1664 and therefore the name of this dance was mentioned for the first time by Guillaume Dumanoir in his work Le mariage de la musique avec la danse (The marriage of music with the dance) of the same year. Later Lully, André Campra and Pierre Rameau inserted minuets in a large number of their compositions. In the classical period the minuet was also included in the great musical forms, the symphony, the sonata and the quartet, of which it usually constituted the third movement, although it could sometimes also appear as a second movement (for example in Haydn and Mozart), preceding so the slow motion. The minuet’s fortune culminated in the affirmation of the gallant style and ran out with the advent of romanticism, although this dance experienced a certain revival as a ballroom dance between 1883 and 1890. The minuet (or menuetto) is a dance , in the classical period to be considered in moderate time and in polyvalent ternary movement. The musical form is tripartite (ABA) and quadritematic, with the main section A containing two themes and the central section B called trio (so called because it was originally entrusted to three solo instruments a bassoon and 2 oboes) containing the other two. In addition, each of the three sections (minuet-trio-minuet) provides for repetition (refrain) even if in a non-functional context for dance the last exposition of A is often not re-enacted. This tripartite and repeated form has been preserved in its entirety in the scherzo, heir to the minuet within the great musical forms.
The court minuet was usually danced by a single couple. It began with a curtsy and continued with a series of figures made up of small steps slipped right, left, forward, backward and a quarter turn. The dance masters of the seventeenth century cite several forms of steps: a one-movement minuet step (from Raoul-Auger Feuillet), two movements both à la bohémienne and en fleuret and a three-movement step qualified by Pierre Rameau as “the true minuet step”. The most frequent figure (drawing that the couple makes while moving in space) – performed with five or eight steps – at first had the shape of an 8, later changed into the shape of the letter S and finally took that of the letter Z.
La Chanson
La chanson (pronuncia francese [ʃɑ̃ˈsɔ̃], “canzone”, dal latino cantio) in generale è una composizione con testo in francese. Ma, con la traduzione della voce nelle varie lingue, è in generale una composizione musicale abbinata ad una poesia. In un linguaggio più specialistico la parola chanson si riferisce alla canzone polifonica francese del tardo medioevo e del rinascimento, diffusa da trovieri e trovatori. Le prime chanson erano scritte nelle forme codificate della ballata o del rondò, successivamente molti compositori musicarono delle poesie popolari in varie forme che assunsero le definizioni di chanson d’histoire, di chanson dramatique, di chanson de danse, di chanson d’aube, di reverdie e di pastourelle. Le prime chanson erano per due, tre e quattro voci. La quarta voce venne aggiunta soltanto a partire dal XVI secolo. In alcuni casi i cantori erano accompagnati da uno strumento. Il primo importante compositore di chanson fu Guillaume de Machaut, che compose chanson a tre voci durante il XIV secolo. Guillaume Dufay, che scrisse le cosiddette burgunde-chanson (egli era originario della Borgogna), fu il più grande compositore di chanson del periodo 1420 – 1470. Le sue chanson, ancorché scritte in uno stile semplice, sono a tre voci su di un tenor strutturale. Il primo libro di musica scritto con i caratteri mobili fu una raccolta di 99 chanson dal titolo Harmonice Musices Odhecaton, stampata nel 1501 a Venezia da Ottaviano Petrucci. Fra il tardo XV secolo ed i primi anni del XVI secolo fra i grandi compositori figurano Johannes Ockeghem e Josquin Des Prez i cui lavori, composti in forme codificate, presentano delle similitudini con i contemporanei mottetti e la musica sacra. Un altro celebre compositore fu Clément Janequin che con la cantata descrittiva La Guerre o La battaglia di Marignano (1528), utilizzò le voci per imitare gli elementi sonori di una battaglia. A metà del XVI secolo Orlando di Lasso fu influenzato dai madrigali composti dai musicisti italiani, anche se scrisse molte chanson quali Ardent amour, Au temps jadis e La nuit. In questo periodo e anche in seguito, molte opere strumentali erano derivate dalla chanson e da questo genere di musica si originerà poi la forma sonata, forma tripartita e bitematica che verrà utilizzata sino ai nostri giorni con numerosi rimaneggiamenti. Inoltre dalla Chanson deriveranno anche tutte le forme di canzoni strumentali e non solo in forma tripartita anche quelle della tradizione popolare (folk song o popular song).
The Chanson
The chanson (French pronunciation [ʃɑ̃ˈsɔ̃], “song”, from the Latin cantio) in general is a composition with French text. But, with the translation of the voice into various languages, it is generally a musical composition combined with a poem. In a more specialized language, the word chanson refers to the French polyphonic song of the late Middle Ages and the Renaissance, spread by troubadours and troubadours. The first chansons were written in the codified forms of the ballad or the rondo, subsequently many composers set to music popular poems in various forms that took on the definitions of chanson d’histoire, of chanson dramatique, of chanson de danse, of chanson d’aube, of reverdie and of pastiurelle. The first chansons were for two, three and four voices. The fourth entry was added only from the 16th century on. In some cases the singers were accompanied by an instrument. The first major chanson composer was Guillaume de Machaut, who composed three-part chanson during the 14th century. Guillaume Dufay, who wrote the so-called Burgunde-chansons (he was originally from Burgundy), was the greatest chanson composer of the period 1420-1470. His chansons, although written in a simple style, are three-part on a structural tenor. The first music book written with movable type was a collection of 99 chansons entitled Harmonice Musices Odhecaton, printed in 1501 in Venice by Ottaviano Petrucci. Between the late 15th century and the early 16th century, among the great composers are Johannes Ockeghem and Josquin Des Prez whose works, composed in codified forms, have similarities with contemporary motets and sacred music. Another famous composer was Clément Janequin who with the descriptive cantata La Guerre or The Battle of Marignano (1528), used the voices to imitate the sound elements of a battle. In the mid-16th century Orlando di Lasso was influenced by madrigals composed by Italian musicians, although he wrote many chansons such as Ardent amour, Au temps jadis and La nuit. In this period and also afterwards, many instrumental works were derived from chanson and from this genre of music the sonata form will originate, a tripartite and bitematic form that will be used up to our days with numerous alterations. Furthermore, all forms of instrumental songs will also derive from Chanson and not only in tripartite form also those of the popular tradition (folk song or popular song).
La Bourrée
La bourrée /bu’re/ è un’antica danza francese originaria dell’Alvernia. È generalmente a due tempi, veloce e accentata vigorosamente sul battere. Ne esiste anche una versione a tre tempi.
Tutt’oggi le bourrée sono molto ballate in tutte le parti della Francia, associate a coreografie diverse a seconda della zona: danzate in coppia, a quattro o in gruppo. Anche in Italia si sono diffuse in tempi recenti, grazie alle associazioni di danze popolari che hanno saputo affiancare le tradizioni locali con una visione più internazionale. Sono caratterizzate dal “passo di bourrée”, strutturato su tre appoggi. L’origine della bourrée risale al medioevo e, secondo alcune ricerche, sarebbe di origine spagnola. Secondo alcuni specialisti, tra cui Pierre Rameau, è originaria da un branle dell’Alvernia (Bassa Alvernia), forse per la grande estensione di questa provincia e quindi per la predominanza numerica dei suoi abitanti. Numerosi studi dimostrano tuttavia che la bourrée è più diffusa e radicata nel Limosino, nel Morvan ed in alcune zone del Berry e dell’Anjou. Viene descritta da George Sand come: «la nostra danza classica, leggiadra, ben ritmata e molto aggraziata nella sua semplicità». La bourrée dell’Alvernia e del Limosino era in tre tempi, vivacissima e danzata con le braccia rivolte verso l’alto, mentre quella del Berry e dell’Anjou era in due tempi. Margherita di Valois, figlia di Caterina de’ Medici, introdusse la versione in due tempi alla corte francese nel 1565 per sostituire le basse-danze in cui i passi erano in prevalenza camminati. Fu molto in voga sino a Luigi XIII e di nuovo durante la Régence. Nel secolo XVII la bourrée diventò danza di società e fu accolta nella forma della suite strumentale, impiegata anche da Johann Sebastian Bach nelle Suites inglesi. Michael Praetorius la cita nel suo Syntagma musicum (1615). La bourrée può essere suonata a due tempi, che è la forma più diffusa, o a tre tempi, che è la forma più conforme a quella originaria dell’Alvernia e Limosino. La bourrée a tre tempi è caratteristica della Francia centrale, di andamento altrettanto veloce, accompagnata dalla musette. Fu in seguito accolta nel repertorio strumentale col nome di passepied. La versione più conosciuta (quella del Berry) viene eseguita da una coppia in posizione frontale, alterna due parti, la prima vede i ballerini avvicinarsi ed allontanarsi (con quattro passi di bourrée) per quattro volte, la seconda vede i ballerini attraversare, cioè portarsi al posto del partner, (con quattro passi di bourrée) per quattro volte. Esistono un’infinità di varianti. Ogni paese, ogni famiglia, ogni ballerino ha il proprio stile di danza.
The Bourrée
The bourrée / bu’re / is an ancient French dance originating in Auvergne. It is generally two-beat, fast and heavily accented on the downbeat. There is also a three-stroke version.
Even today the bourrées are very much danced in all parts of France, associated with different choreographies depending on the area: danced in pairs, in fours or in groups. Also in Italy they have spread in recent times, thanks to popular dance associations that have been able to combine local traditions with a more international vision. They are characterized by the “step of bourrée”, structured on three supports. The origin of the bourrée dates back to the Middle Ages and, according to some researches, it is of Spanish origin. According to some specialists, including Pierre Rameau, it originates from a branch of the Auvergne (Lower Auvergne), perhaps due to the great extension of this province and therefore to the numerical predominance of its inhabitants. However, numerous studies show that bourrée is more widespread and rooted in Limousin, Morvan and in some areas of Berry and Anjou. It is described by George Sand as: «our classical dance, graceful, well rhythmic and very graceful in its simplicity». The bourrée of Auvergne and Limousin was in three stages, very lively and danced with the arms facing upwards, while that of Berry and Anjou was in two stages. Margaret of Valois, daughter of Caterina de ‘Medici, introduced the two-stage version to the French court in 1565 to replace the basso-dances in which the steps were mostly walked. It was very popular until Louis XIII and again during the Régence. In the seventeenth century the bourrée became a social dance and was accepted in the form of the instrumental suite, also used by Johann Sebastian Bach in the English Suites. Michael Praetorius mentions it in his Syntagma musicum (1615). The bourrée can be played in two strokes, which is the most common form, or in three strokes, which is the most consistent form to the original Auvergne and Limousin one. The three-stroke bourrée is characteristic of central France, with an equally fast pace, accompanied by the musette. It was later accepted in the instrumental repertoire with the name of passepied. The best known version (that of the Berry) is performed by a couple in a frontal position, alternating two parts, the first sees the dancers approach and move away (with four bourrée steps) four times, the second sees the dancers cross, that is to carry in place of the partner, (with four bourrée steps) four times. There are an infinite number of variations. Every country, every family, every dancer has their own dance style.
Lo Scherzo
Lo scherzo è una forma musicale. Dopo le prime apparizioni nei quartetti di Joseph Haydn, a partire da Ludwig van Beethoven lo scherzo viene normalmente a costituire il terzo movimento — in ritmo per lo più ternario (3/4 o 3/8) — di una sonata, una sinfonia o una composizione strumentale da camera (per esempio un quartetto per archi). Lo scherzo sostituisce così il minuetto, una danza anch’essa in 3/4, che era stata inserita nel quintetto da Luigi Boccherini, nella sinfonia e nella sonata classica da Joseph Haydn e Wolfgang Amadeus Mozart. Rispetto al minuetto, lo scherzo è di solito più veloce: Allegro, Vivace o Presto. La sua forma è tripartita (ABA), dove la sezione centrale, chiamata trio, ha spesso tonalità diversa e carattere contrastante, in genere più lirico. Esistono anche esempi di scherzi a cinque parti: ABABA (Beethoven, Sinfonie n. 4, 6 e 7) o, specialmente nel periodo romantico, ABACA. Lo scherzo punta di solito all’arguzia, alla giocosità e tende ad alleggerire la tensione tra il movimento lento e il finale, distendendo la concentrazione richiesta all’ascoltatore durante i primi due movimenti. Nonostante ciò, può assumere tratti drammatici e persino grotteschi (come in Gustav Mahler e Dmitrij Šostakovič). Nelle prime tre sinfonie, Johannes Brahms rinunciò addirittura allo scherzo di stampo beethoveniano per inserire composizioni che, pur mantenendo la struttura dello scherzo, hanno tempo moderato e carattere elegiaco.
Eccezionalmente, se il primo movimento di una sinfonia o di una sonata e il successivo tempo lento acquistano proporzioni e impegno eccessivi, lo scherzo può diventare il secondo movimento, dando così maggior equilibrio all’opera. È il caso, ad esempio, della sinfonia n. 9 di Beethoven, della n. 2 di Schumann e della n. 4 di Mahler. Con i suoi scherzi pianistici, Fryderyk Chopin ha invece trasfigurato e stravolto la forma tradizionale, creando organismi musicali imponenti, nuovi per struttura e linguaggio.
The Scherzo
The Scherzo is a musical form. After the first appearances in Joseph Haydn’s quartets, starting with Ludwig van Beethoven, the scherzo usually forms the third movement – in a mostly ternary rhythm (3/4 or 3/8) – of a sonata, a symphony or a chamber instrumental composition (for example a string quartet). The scherzo thus replaces the minuet, a dance also in 3/4, which had been inserted in the quintet by Luigi Boccherini, in the symphony and in the classical sonata by Joseph Haydn and Wolfgang Amadeus Mozart. Compared to the minuet, the scherzo is usually faster: Allegro, Vivace or Presto. Its shape is tripartite (ABA), where the central section, called the trio, often has a different tonality and a contrasting character, usually more lyrical. There are also examples of five-part jokes: ABABA (Beethoven, Symphonies No. 4, 6 and 7) or, especially in the Romantic period, ABACA. The joke usually aims at wit, playfulness and tends to lighten the tension between the slow movement and the ending, relaxing the concentration required of the listener during the first two movements. Despite this, it can take on dramatic and even grotesque traits (as in Gustav Mahler and Dmitrij Shostakovič). In the first three symphonies, Johannes Brahms even renounced the Beethovenian joke to insert compositions which, while maintaining the structure of the joke, have moderate tempo and an elegiac character.
Exceptionally, if the first movement of a symphony or sonata and the subsequent slow tempo acquire excessive proportions and effort, the scherzo can become the second movement, thus giving greater balance to the work. This is the case, for example, of the symphony n. 9 by Beethoven, n. 2 by Schumann and n. 4 by Mahler. With his piano jokes, Fryderyk Chopin has instead transfigured and distorted the traditional form, creating impressive musical organisms, new in structure and language.
La Gavotta
La gavotta è una danza francese in movimento moderato e in ritmo binario, caratterizzata per lo più da un incipit in levare e da una struttura bipartita. Nacque come danza dei montanari delle Alpi francesi (di Gap nel Delfinato), soprannominati gavots, e in origine, come molte danze popolari, aveva carattere allegro e tempo vivace. Divenuta danza di corte, ebbe particolare fortuna nel XVII secolo, quando il suo movimento fu moderatamente rallentato, venne introdotta anche nelle rappresentazioni teatrali (comédie-ballet) e fu accolta a pieno titolo nella letteratura musicale colta, entrando a far parte della suite. È caratterizzata da un’eleganza tipicamente compassata e pensosa. Il termine, nella variante di gavotte (chiamata anche dañs tro in bretone), indica anche una famiglia di danze tradizionali della Bassa Bretagna.
The Gavotte
The gavotte is a French dance in moderate movement and in binary rhythm, mostly characterized by an upbeat incipit and a bipartite structure. It was born as a dance of the mountaineers of the French Alps (of Gap in the Dauphiné), nicknamed gavots, and originally, like many folk dances, had a cheerful character and lively tempo. Having become a court dance, it had particular success in the 17th century, when its movement was moderately slowed down, it was also introduced in theatrical representations (comédie-ballet) and was fully accepted in cultured musical literature, becoming part of the suite. It is characterized by a typically staid and thoughtful elegance. The term, in the variant of gavotte (also called dañs tro in Breton), also indicates a family of traditional dances from Lower Brittany.
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