La mia storia di Direttore.
Quando terminai i miei studi accademici di Violoncello, intendo il Diploma decennale di Vecchio Ordinamento, cominciai ad interessarmi alla Direzione d’orchestra. Grazie al fatto di essere un violoncellista ho potuto vivere il mondo dell’orchestra dal suo interno, affrontare le mille difficoltà che comporta essere un orchestrale: spostamenti per raggiungere la sala prove o la location dei concerti, corsi di perfezionamento spesse volte in luoghi impervi, che anche se affascinanti dal punto di vista storico o naturalistico, alle volte vi confesso di avere rimpianto di non possedere delle ali ma solo una macchina o due soli piedi. Immaginate solo per un attimo di dover affrontare delle ripide salite o scale con in spalla un violoncello con custodia rigida, la borsa delle partiture, il leggio e alcune volte pure la sedia, un somaro sarebbe stato meno carico 🤣. Si arriva, si monta il leggio, si sistemano le parti sul leggio, preferibilmente in un ordine coerente, tutte le pagine per lo stesso pezzo, giusto per evitare di iniziare a suonare un pezzo e poi dopo la girata di pagina ti ritrovi una pagina di un altro pezzo, e maledici di non aver trovato il tempo di rilegare le parti, non per forza con la spirale di plastica o metallo, basta anche del semplice nastro adesivo trasparente. Quello della rilegatura è una cosa che con il passare l’età mi trovo sempre più spesso a raccomandare agli allievi, giusto per evitare loro spiacevoli sorprese durante la prova. Inizia finalmente la tanto attesa prova e il direttore si posiziona in modo da poter scorgere bene tutti i componenti dell’ orchestra o almeno ci tenta, perché spesso trovi nascosto uno o più musicisti da un pilastro o da un antico mobile particolarmente voluminoso, di quelli antichi per intenderci, dalla statua o dalla balaustra della chiesa di turno scelta come luogo per le prove che poveretta è così da mille anni e non si può certamente modificare solo per accogliere le prove dei musicisti, giunti lì per l’occasione più unica che rara.
Dimenticavo per provare tutti insieme si deve essere ben accordati e così, per prassi ormai consolidata, l’oboe da il La al Violino Primo di Spalla che si accorda e provvede a dare il la a tutti gli altri colleghi violinisti cosicché si possano accordare anche loro nel medesimo modo. Spesso succede che in questa fase evitando inutili e fastidiose sovrapposizioni, prima di accordare gli archi,si accordino i legni (ovvero flauti, oboi e clarinetti). Si procede poi con i violini secondi ,viole, violoncelli e contrabbassi e si termina con altri strumenti a fiato (gli altri legni (clarinetti, flauti e fagotti) e si termina accordando con il si bemolle se vi siano gli ottoni quali: trombe, tromboni, tuba e corni. Finalmente ultimata l’accordatura il direttore muove la bacchetta e come per magia, potrebbe pensare qualcuno, si comincia a generare la musica. Gli strumenti così, sotto le abili mani dei musicisti, cominciano a vibrare in aria e la musica, tra suoni e silenzi, prende forma. Ha inizio quella magia del fare musica. Tutto scaturisce dall’intesa reciproca tra musicisti, tra musicisti e direttore che interpretano il codice musicale in partitura cercando di coglierne dal significato più recondito alle sfumature più lievi. Ed è proprio in questa fase che il Direttore può incidere nell’ interpretazione del pezzo musicale. Può decidere una scansione temporale secondo il tactus, che più si addice a quanto scritto in partitura (Allegro, Adagio, Moderato, Presto, Largo ecc.) e alla fase di studio, che prevede delle esecuzioni con una scansione temporale più lenta per permettere uno studio più accurato delle note (per intonazione, qualità nell’emissione del suono, colore del suono, dinamica, agogica). Si prova e si riprova un passaggio, un particolare inciso tematico, sviscerandone l’aspetto ritmico e melodico, cercando un’idea di musica o un ideale sonoro. Provando e riprovando si conquista sempre più consapevolezza della partitura e si viaggia sulle note della fantasia che la musica riesce a stimolare. Dando per assodato che l’orchestrale o musico, come spesso si suole definire il musicista esecutore, abbia studiato la partitura a casa, ovvero ne abbia scritto, provato e riprovato le diteggiature più funzionali, le arcate, i respiri, le articolazioni, il direttore finalmente comunicando con il proprio gesto interagisce con ciascuno degli orchestrali li guida e si lascia anche da loro guidare perché mai un direttore potrà conoscere tanto bene quanto il musicista esecutore professionale le possibilità del proprio strumento musicale salvo che non sia lui stesso strumentista professionale. Nella storia della musica molti grandi direttori sono stati anche grandi esecutori, Toscanini era un ottimo violoncellista e uno straordinario pianista, Daniel Barenboim è stato ed è tuttora un ottimo pianista, Riccardo Muti è un meraviglioso pianista oltreché in giovane età un violinista, Lorin Maazel è stato un enfant prodige del violino, Bernstein straordinario pianista, Karajan è stato un grande pianista, Britten pianista e compositore, ma ci sono anche casi di straordinaria grandezza direttoriale che non per forza debbano essere riconducibili a una bravura strabiliante nello strumento musicale che si è studiato mi viene in mente il caso emblematico di Carlos Kleiber, per me il top della tecnica direttoriale ma un pianista non eccellente. Viceversa ci sono anche grandi artisti cantanti e strumentisti anche di fama universale che nella direzione non hanno raggiunto l’eccellenza toccata con il loro strumento quali Mitslav Rostopovich, per me il Dio del Violoncello o Placido Domingo, uno dei più grandi tenori della storia. Costoro si sono cimentati nella direzione soprattutto nell’ultima parte della carriera, con la possibilità di fare tesoro della loro storia musicale folgorante per esecuzioni e repertorio e soprattutto per collaborazioni direttori di chiara fama, Herbert von Karajan, Leonard Bernstein, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Carlo Maria Giulini, Gianandrea Gavazzeni, Georg Solti, Lorin Maazel, Georges Prêtre, Zubin Mehta, avendo potuto anche collaborare con le più grandi orchestre del mondo: London Sinfonieorchester, Berliner Philarmoniker, Orchestra del Teatro Alla Scala di Milano, Orchestra dell’Operà di Parigi, Covent Garden di Londra, Royal Opera House, Filarmonica di Boston, Orchestra del Metropolitan di New York, Wiener Staatsoper, Bayerischer Rundfunk, Filarmonica di Vienna, Orchestra del Teatro Bolshoi di Mosca ecc.
Per me è stato fondamentale poter collaborare con direttori di chiara fama e illustri solisti, Muti, Ranzani, Bufalini, Cosmi, Volpini, Bugaj, Soga, Florio, Lee, Giraud, Berman, Themel, Latil, Meditz, Pulin, Brousseau, De La Cruz, Salvalaio,De La Cruz, Cavero Garcia, Estrada, Rodriguez, Baghboudurian, Dos Santos, Botto Schuhmacher, Navarro Lara Menier, Filippini, Hutter, Niculescu, Flaksman, Sobrino, Girshenko, Degani, Ligresti, Lefbvre, Pagliani, Marini, Comuzzi, Ricciarelli, Giordani, Gigli, Aliberti, Schillaci, Piazzola, Caballè, Santana,ecc, Tutti costoro hanno di certo dato un grande impulso alla mia conoscenza del mondo orchestrale e della gestualità direttoriale. Coloro che però hanno dato maggiore impulso alla mia conoscenza della tecnica direttoriale sono stati Elisa Poidomani che con tanta sapienza ha instillato in me la passione per la direzione corale e orchestrale, Daniele Belardinelli grande direttore e docente e Francisco Navarro Lara con cui lungamente ho potuto apprendere, approfondire e migliorare la tecnica direttoriale. Le tante lezioni con lui e la lettura dei suoi libri sono stati per me illuminanti e per questo non smetterò mai di ringraziarlo. Negli anni dal 1998 a oggi l’esperienza maturata durante la preparazione, prove e i concerti mi ha fornito anche una vasta conoscenza del repertorio dal periodo barocco, classico, romantico e moderno perché un direttore non può prescindere dalla conoscenza del repertorio significativo dei grandi compositori: Bach, Vivaldi, Boccherini, Mozart, Haydn, Beethoven, Rossini, Medelssohn, Schumann, Brahms, Elgar, Dvorak, Ravel, Debussy, Schostakovich, Prokovief. L’orchestra, a parere mio, è come una grande famiglia, e dico grande perché se si prepara un concerto sinfonico o una opera lirica si può lavorare, nel medesimo luogo e nello stesso tempo, con anche 50/60 persone e più. Come in una grande famiglia possono sorgere diversità di opinioni, alcune volte divergenti, e il direttore d’orchestra può anche diventare in occasioni come queste un abile diplomatico che mette tutti “d’accordo”. Le divergenze spesso non sono neppure di natura squisitamente musicale ma riguardano la gestione oraria delle prove, la location, il repertorio scelto per il concerto, o più in generale la programmazione scelta, la rotazione e turni dei musicisti e cantanti nel caso ci si riferisca ad un coro o cantanti, inerenti alla messa in scena di un oratorio, opera o altro genere di spettacolo teatrale e persino la disposizione in sala dell’ orchestra o coro e in ultimo ma non meno importante la remunerazione è elemento decisivo per la buona riuscita del concerto o spettacolo che sia . Tutto ciò accade dalle orchestre più piccole di realtà per così dire locali sino alle orchestre di importanti e blasonati enti lirici. Il direttore insomma oltreché “agire” sulla concertazione, arrangiamento in fase di prova diventa depositario di un arduo compito di integrazione e scambio dei intelligenza universale fra tutti i musicisti e se stesso tutto con la finalità di fare musica non fine a se stessa ma realmente per migliorare l’ esistenza terrena di noi uomini tutti.
When I finished my academic studies of cello, I mean the ten-year Diploma of the Old Order, I began to take an interest in orchestral conducting. Thanks to being a cellist, I was able to experience the world of the orchestra from the inside, face the many difficulties that being an orchestra player entails: travel to reach the rehearsal room or concert locations, specialization courses often in inaccessible places even if fascinating from a historical or naturalistic point of view, at times I confess that I regret not having wings but only a car or two feet. Imagine just for a moment having to face steep climbs or stairs with a cello with a hard case on your shoulder, the bag of scores, the lectern and sometimes even the chair, a donkey would have been less loaded 🤣. You arrive, the music stand is assembled, the parts are arranged on the music stand, preferably in a coherent order, all pages for the same piece, just to avoid starting to play a piece and then after the page turn you end up with a page of another piece, and you curse for not having found the time to bind the parts, not necessarily with a plastic or metal spiral, even simple transparent adhesive tape is enough. Binding is something that as I get older I find myself more and more often recommending it to my students, just to avoid unpleasant surprises during the rehearsal. The long-awaited rehearsal finally begins and the director positions himself in such a way as to be able to see all the orchestra members well or at least he tries to, because you often find one or more musicians hidden by a pillar or by a particularly voluminous antique piece of furniture, one of the antique ones to be clear, from the statue or the balustrade of the church on duty chosen as a place for rehearsals which poor thing has been like this for a thousand years and certainly cannot be changed just to accommodate the rehearsals of the musicians, who came there for the most unique and rare occasion.I forgot to rehearse all together you must be well tuned and so, according to now consolidated practice, the oboe gives the La to the Violino Primo di Spalla who tunes and provides to give the la to all the other violinist colleagues so that they can also tune in the same way. It often happens that in this phase, avoiding useless and annoying overlaps, before tuning the strings, the woodwinds (ie flutes, oboes and clarinets) are tuned. It then proceeds with the second violins, violas, cellos and double basses and ends with other wind instruments (the other woodwinds (clarinets, flutes and bassoons) and ends by tuning with B flat if there are brass instruments such as: trumpets, trombones , tuba and horns. Finally, once the tuning has been completed, the conductor moves the baton and as if by magic, some might think, the music begins to be generated. Thus, under the skilled hands of the musicians, the instruments begin to vibrate in the air and the music , between sounds and silences, takes shape. That magic of making music begins. Everything springs from the mutual understanding between musicians, between musicians and conductor who interpret the musical code in the score trying to grasp its most hidden meaning to the lightest nuances. And it is precisely in this phase that the Conductor can affect the interpretation of the piece of music.He can decide on a temporal scansion according to the tactus, which best suits what is written in the score (All egro, Adagio, Moderato, Presto, Largo etc.) and to the study phase, which provides for executions with a slower temporal scansion to allow a more accurate study of the notes (by intonation, quality of sound emission, color of the sound , dynamic, agogic). A passage is rehearsed and rehearsed, a particular thematic passage, dissecting its rhythmic and melodic aspect, looking for an idea of music or a sound ideal. Trying and trying again, one gains more and more awareness of the score and travels on the notes of the imagination that music manages to stimulate. Assuming that the orchestra player or musician, as the executing musician is often defined, has studied the score at home, or has written, tried and tried again the most functional fingerings, the arches, the breaths, the articulations, the conductor finally communicating with his own gesture, he interacts with each of the orchestral players and also lets himself be guided by them because a conductor will never be able to know the possibilities of his own musical instrument as well as the professional executing musician unless he is himself a professional instrumentalist. In the history of music many great conductors have also been great performers, Toscanini was an excellent cellist and an extraordinary pianist, Daniel Barenboim was and still is an excellent pianist, Riccardo Muti is a wonderful pianist as well as a violinist at a young age, Lorin Maazel is was an enfant prodige of the violin, Bernstein an extraordinary pianist, Karajan was a great pianist, Britten a pianist and composer, but there are also cases of extraordinary conducting greatness that do not necessarily have to be traced back to an astonishing skill in the musical instrument that he studied I am reminded of the emblematic case of Carlos Kleiber, for me the top of the conducting technique but not an excellent pianist. Conversely, there are also great singers and instrumentalists of universal fame who in conducting have not achieved the excellence achieved with their instrument such as Mitslav Rostopovich, for me the God of the Cello or Placido Domingo, one of the greatest tenors in history. They have tried their hand at conducting especially in the last part of their career, with the possibility of capitalizing on their dazzling musical history for performances and repertoire and above all for collaborations with renowned conductors, Herbert von Karajan, Leonard Bernstein, Riccardo Muti, Claudio Abbado , Carlo Maria Giulini, Gianandrea Gavazzeni, Georg Solti, Lorin Maazel, Georges Prêtre, Zubin Mehta, having also been able to collaborate with the greatest orchestras in the world: London Sinfonieorchester, Berliner Philarmoniker, Orchestra of the Teatro Alla Scala in Milan, Orchestra of the Operà of Paris, Covent Garden of London, Royal Opera House, Boston Philharmonic, Metropolitan Orchestra of New York, Wiener Staatsoper, Bayerischer Rundfunk, Vienna Philharmonic, Bolshoi Theater Orchestra of Moscow etc.
For me it was fundamental to be able to collaborate with renowned conductors and illustrious soloists, Muti, Ranzani, Bufalini, Cosmi, Volpini, Bugaj, Soga, Florio, Lee, Giraud, Berman, Themel, Latil, Meditz, Pulin, Brousseau, De La Cruz, Salvalaio, De La Cruz, Cavero Garcia, Estrada, Rodriguez, Baghboudurian, Dos Santos, Botto Schuhmacher, Navarro Lara Menier, Filippini, Hutter, Niculescu, Flaksman, Sobrino, Girshenko, Degani, Ligresti, Lefbvre, Pagliani, Marini, Comuzzi , Ricciarelli, Giordani, Gigli, Aliberti, Schillaci, Piazzola, Caballè, Santana, etc. All of them have certainly given a great boost to my knowledge of the orchestral world and conducting gestures. However, those who gave greater impetus to my knowledge of conducting technique were Elisa Poidomani who with so much wisdom instilled in me the passion for choral and orchestral conducting, Daniele Belardinelli great director and teacher and Francisco Navarro Lara with whom I was able to learn for a long time , deepen and improve the conducting technique. The many lessons with him and the reading of his books have been enlightening for me and for this I will never stop thanking him. In the years from 1998 to today the experience gained during preparation, rehearsals and concerts has also provided me with a vast knowledge of the repertoire from the Baroque, classical, romantic and modern periods because a conductor cannot ignore the knowledge of the significant repertoire of the great composers: Bach, Vivaldi, Boccherini, Mozart, Haydn, Beethoven, Rossini, Medelssohn, Schumann, Brahms, Elgar, Dvorak, Ravel, Debussy, Schostakovich, Prokovief. In my opinion, the orchestra is like a big family, and I say big because if you prepare a symphony concert or an opera you can work, in the same place and at the same time, with even 50/60 people or more. As in a large family, differences of opinion can arise, sometimes divergent, and the conductor can also become an able diplomat on occasions like these who gets everyone to “agree”. The differences are often not even of a purely musical nature but concern the time management of the rehearsals, the location, the repertoire chosen for the concert, or more generally the programming chosen, the rotation and shifts of the musicians and singers in the case we are referring to a choir or singers, inherent in the staging of an oratorio, opera or other kind of theatrical performance and even the arrangement in the hall of the orchestra or choir and last but not least the remuneration is a decisive element for the success of the concert or show that is. All this happens from the smallest orchestras of so to speak local realities up to the orchestras of important and noble opera companies. In short, the conductor, in addition to “acting” on the concertation, arrangement in the rehearsal phase, becomes the custodian of an arduous task of integration and exchange of universal intelligence between all the musicians and himself, all with the aim of making music not for its own sake but really for improve the earthly existence of all of us men.
Pier Paolo Maccarrone 